Quinta-feira, 26 de Novembro de 2020

Cinema
Segunda-feira, 24 de Fevereiro de 2020, 12h:02

Único filme nacional na competição

Filme brasileiro concorre ao Urso de Ouro, no Festival de Cinema de Berlim

Fonte: Poder 360

picture-alliance/dpa/G. Fischer via DW

Como único na mostra competitiva, o filme brasileiro Todos os mortos, escrito e dirigido por Caetano Gotardo e Marcos Dutra, foi exibido da Berlinale, o Festival Internacional de Cinema de Berlim, nesse domingo (23.fev.2020), concorrendo ao troféu Urso de Ouro.

A trama se inicia em 1899, na casa de uma família da aristocracia do café paulista. A escravidão foi abolida 11 anos antes, e após a morte de sua última criada, as irmãs Soares estão perdidas e à beira da ruína em meio a metrópole em rápida expansão. Ao mesmo tempo, a família Nascimento, de ex-escravos, se encontra à deriva numa sociedade onde não há lugar para os negros recém-libertados.

Na coletiva de imprensa em Berlim, Marcos Dutra contou que o ponto de partida de um complexo processo criativo foi uma história sua, sobre duas famílias atravessando um momento de mudança em suas vidas. Entre a abolição da escravatura e a jovem República do Brasil, a proposta era examinar como o país mudara, e se a mudança funcionara ou não.

A quatro mãos com Caetano Gotardo, essa trama foi aprofundada e ampliada, projetando suas ramificações para a atualidade do país: “O principal para nós era pensar como a estrutura definida no fim da escravidão no Brasil ainda está muito presente na nossa sociedade hoje em dia”, explicou Gotardo.

“Quando pensamos em estrutura social no Brasil, temos que pensar em raça, é totalmente relacionado. Mas não queríamos só tratar de negritude, e sim também de ‘ser branco’. Porque existe essa ideia muito errada de que brancura seria neutra, a ideia muito opressiva do que é ‘neutro’. Em geral, é o que masculino, branco, classe média. Mas ser branco tem suas particularidades, e queríamos olhar para isso no Brasil – e todos os problemas em volta.”

O cineasta formado pela Universidade de São Paulo enfatiza que o filme teve um processo profundamente colaborativo, e um dos colaboradores mais importantes, no sentido de história e relações raciais foi Salloma Salomão, não só responsável pela música, mas coparticipante na elaboração do roteiro.

Gotardo cita um dos insights do artista negro: Todos os mortos se desenrola num momento “em que o Brasil poderia ter escolhido um outro modo de organizar a sociedade. Teve essa chance, mas nós não mudamos realmente a estrutura”. “Estávamos realmente interessados em ver esse período em relação ao tempo presente, e queríamos comunicar isso em muitos níveis. Por isso o filme lida com esse cruzamento de tempos, em níveis diferentes.”

Maioria feminina

Salloma Salomão coloca a obra no contexto da história do cinema e do país: “Este filme traz uma nova maneira de perceber e projetar uma visão sobre a sociedade brasileira, para si mesma e para o mundo, a partir de um suporte privilegiado que é o cinema. Ao longo do século 20, o cinema projetou pelo menos duas imagens estereotipadas da sociedade brasileira: 1º de uma sociedade harmoniosa, 2º de uma sociedade violenta. As duas são verdadeiras: o Brasil tem harmonias e guerras violentas, racismo e convivência interracial, praias e muita miséria. O Brasil talvez seja encontrado entre essas duas visões estereotipadas.”

Segundo ele, a abordagem intimista, familiar, pessoal, é de suma importância. “O filme narra um ponto crucial do que é a sociedade brasileira hoje: ela foi definida nos últimos 10 anos do Império e nos primeiros 10 anos da República. Toda hierarquia racial que existiu entre a Colônia e o Império não pôde ser preservada, mas elementos da escravidão entraram na intimidade da vida dos brasileiros, e ela está no interior das casas, não está nas ruas. Quando 2 cineastas mergulham no interior de uma casa aristocrática e abrem as janelas, eles querem que nós olhemos para a nossa própria intimidade”, enfatizou Salomão.

 

 

E essa intimidade é intensamente feminina – assim como a própria produção. Presentes à coletiva da Berlinale estiveram também as atrizes Mawusi Tulani (Iná), Clarissa Kiste (Maria), Leonor Silveira (Dona Romilda) e Carolina Bianchi (Ana), assim como a diretora de fotografia Hélène Louvart e a produtora Sara Silveira, saudada como veterana da Berlinale, por suas outras contribuições para o festival.

Clarissa Kiste louvou a honestidade e diversidade da forma de trabalho adotada por Gotardo e Dutra: “Nossa equipe é majoritariamente feminina, isso foi uma preocupação dos meninos desde o início, eles têm consciência do lugar de fala deles – de homens, brancos – e sempre tiveram uma escuta muito grande.” Essa seria a base para o desenvolvimento de um diálogo: “Todas nós tivemos voz, tivemos oportunidade de falar o que queríamos, de nos colocarmos, e sempre fomos muito bem acolhidas.”

Sua colega portuguesa Leonor Silveira reconheceu a relevância do debate atual sobre gênero e igualdade em todas as áreas e profissões. O cerne seria o desequilíbrio entre a presença feminina e masculina no trabalho, e “na arte e no cinema, não é muito diferente”. No entanto, com sua decisão de ter uma equipe com maioria de mulheres, a dupla de cineastas teria provado “que é absolutamente possível, e os resultados são absolutamente geniais”. A condição para que essa continuidade e esse trabalho possam “criar, nascer ou semear qualquer coisa”, porém, é a colaboração real entre o feminino e o masculino.

Vitória coletiva e perseguição

Caetano Gotardo mostrou-se modesto por representar o único filme brasileiro numa competição como a da Berlinale, e evocou o aspecto coletivo dessa vitória: “Mais importante do que este filme estar em competição, simbolicamente é bom o fato de haver 19 filmes brasileiros em Berlim este ano, de ter tido 12 em [Festival Internacional de Cinema de] Roterdã. E ano passado termos tido filmes brasileiros em todos os grandes festivais, prêmios importantes em Cannes.” Acima de tudo, para ele, está a diversidade crescente da atual produção cinematográfica do país, integrando “diferentes lugares sociais, raciais, de gênero”.

“O cinema brasileiro está longe de uma igualdade, um equilíbrio, mas está começando a, de fato, contar com olhares plurais, com pontos de vista diferentes, que só enriquecem o cinema, só o tornam mais interessante. Então, isso é o que mais nos emociona: estarmos aqui como parte de um conjunto grande. Este filme não é uma exceção.”

Contudo, a narrativa de Gotardo não é só de otimismo: a partir de 2016, mas com força ainda maior desde 2019, observou, o setor está sendo “violentamente atacado no país”: “Tem uma tentativa de conter essa força expressiva da arte brasileira, não só no cinema. Os artistas estão sendo alvos de ataques diretos, de notícias falsas, de perseguições pessoais, perseguições à obra, de mentiras. Inclusive com acenos claros a censurar certos temas e artistas.”

“Então é muito importante continuarmos presentes no cenário internacional. E no nacional também, inclusive com sucessos comerciais, como tem acontecido. Isso nos dá força para continuar fazendo e para lutar contra esse ataque direto. Então tem uma força simbólica muito grande estarmos aqui presentes em número tão grande, como gesto de resistência, de luta.”

O cineasta foi aplaudido ao concluir enfatizando a importância de sua atividade profissional, para além das telas, dos festivais, da diversão, ou mesmo da arte: “Somos trabalhadores do setor artístico, precisamos viver do nosso trabalho. Trabalhamos muito, e criamos coisas que são importantes para pensar o nosso país.”

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